畢卡索Picasso與史特拉汶斯基Stravinsky的小邂逅

20世紀初，畢卡索跟芭蕾藝術非常有緣喔！他曾幫忙俄羅斯芭蕾舞團設計舞台佈景及服裝，他們合作的作品有薩提Satie 的遊行（1917），法雅Falla的三角帽（1919），史特拉文斯基Stravinsky 的普契奈拉（1920）米堯Milhaud 的藍色列車（1924）, 畢卡索也是因為舞團而認識他第一任老婆 芭蕾舞者Olga歐嘉！

其實畢卡索與史特拉文斯基就是因為合作芭蕾舞 Pucinella 而認識，畢卡索幫此芭蕾設計了立體主義風格的佈景還有舞台服裝，而主角普契奈拉則是源自16世紀義大利的平民喜劇角色，他的形象就是永遠穿白色衣服，帶黑面具，長鷹鉤鼻，駝背，講話聲音即即叫像小雞。
ps. 其實這個丑角的角色, Stravinsky的彼得羅西卡Petrushka也是源自他!

畢卡索畫的普契奈拉舞台設計跟人物，鷹鉤鼻好可愛！

畢卡索設計的普契奈拉舞台角色服裝！

              普契奈拉芭蕾舞影片            

而他們兩人的友誼早在1917年第一次在義大利碰面即展開（討論史特拉汶斯基 作品"給11個樂器的 Ragtime" 樂譜的封面畫 ，還有芭蕾 Pucinella)，畢卡索當場就幫史特拉文斯基畫了肖像畫，殊不知當年政局混亂，史特拉文斯基將畫作打包帶回瑞士（他離開蘇俄，先住在瑞士，1921年才搬到法國），結果竟被海關查扣，認為那幅畫藏有重要的軍事機密，認為Stravinsky 恐怕是間諜（丟搞了）後來Stravinsky 才趕快拜託他英國大使館的朋友幫忙，還他清白，才把畫作拿回來！

左跟右：畢卡索畫的Stravinsky, 中間是 :給11個樂器的Ragtime ,畢卡索畫的樂譜封面！

20世紀上半段，這些美好的藝術大師相互合作、擦出火花，居功厥偉的，絕對是蘇俄芭蕾舞團的靈魂人物 : 戴吉亞列夫Diaghilev（經理人） ，他讓各種類型的藝術跨界交流成為經典，讓芭蕾舞蹈有了新的視野，讓表演藝術有更多創意的可能！

馬諦斯Henri Matisse: 插圖繪本「爵士」 Jazz !

上次我們聊了好棒棒音樂家又能畫畫的荀白克跟蓋希文，今天轉個彎，我們來聊好棒棒畫家，拿音樂當靈感與體裁的傑作！

其實受音樂影響的當代畫作特別多，你們有沒有看過我之前粉絲頁上方的那條金魚啊? 他是Paul Klee的作品，Paul Klee本身能拉小提琴，也很熱愛音樂！他的作品充滿著音樂性，也常常把古典音樂的曲式語彙，當成畫作標題：例如：紅色的賦格，變奏曲，複音音樂...等。

Paul Klee: 金魚

Paul Klee: 紅色賦格

                                             

Paul Klee: 變奏曲

但我想來聊法國野獸派藝術大師～Henri Matisse 馬諦斯(1869-1954) 在1943-45年完成的插圖繪本:叫做～「爵士」 Jazz !

1941年的馬蒂斯，做了腸癌手術後，只能坐輪椅或躺在床上，不良於行讓他原本熱愛的繪畫跟雕塑工作充滿著困難！他耐不住創作的熱情，於是拿起剪刀與色紙，開始天馬行空的展現剪貼的創意。他剪出許多圖像，然後再拼成充滿艷麗色彩，抽象迷人的畫面！這一系列拼貼的誕生，象徵著大師在75歲高齡，讓他的藝術過渡到另一種新的形式，實在令人佩服！

1947年出版的Jazz，原始版本共有二十幅剪貼版畫，只限量250本。每幅版畫都搭配一段馬諦斯的詩文，形成一種完整的裝飾性。出版社建議書名 叫JAZZ ，大師很喜歡，因為他認為藝術跟音樂的創作過程是相通的，而他 就是用剪刀 “自由“並且 "即興" 地，剪出許多色彩豐富，充滿故事性的圖案!

爵士系列整體主題，像是馬蒂斯的人生傳記：有他旅行的回憶，他對愛，死亡，還有命運的隱喻！例如：馬戲團雜耍這個主題在書裡占蠻多篇幅的，大師認為馬戲團裡的演員們，在落幕之後，都是孤獨的.....這其實是藝術家自我的寫照。

孟玟老師在youtube找到一段影片，是馬蒂斯作品的展覽，他的剪紙作品完全是純粹明亮的色彩跟形體，很開放自由！

  


我在想，如果要幫馬蒂斯的畫作搭配音樂，20世紀現代音樂大師 史特拉汶斯基 Igor Stravinsky (1882-1971)受爵士樂影響的作品，應該很適合！
例如：Ragtime



或者Ebony Concerto 


你們覺得咧？

荀白克 Arnold Schoenberg 是音樂家也是一位畫家！

今天來聊聊荀白克是一個畫家跟他的愛情故事：Arnold Schoenberg（1874-1951），是第二維也納樂派的掌門人，從他手中揭開了深深影響二十世紀的非調音樂與十二音列技法！這位當代音樂大師，除了在音樂上卓越表現之外，他可是德國表現主義畫派"藍騎士"其中的一員喔！

左邊為荀白克畫的貝爾格，右上他畫他太太，而右下是奧地利畫家席勒畫的荀白克

荀白克的自畫像！！！

荀白克的音樂歷程大多是自學的，他唯一願意承認的老師，是Alexander Zemlinsky（1871-1942），誰是Alexander Zemlinsky? 他就是曾經跟馬勒的老婆Alma傳緋聞的年輕作曲家！而荀白克就在1901年，娶了Zemlinsky老師的妹妹：Mathilde Zemlinsky。但很有趣的是，荀白克跟馬勒的關係相當好，馬勒非常欣賞荀白克，即便荀白克寫作的風格，讓馬勒越來越不能理解，但馬勒仍然持續贊助他，支持他！


荀白克說過：“Gustav Mahler was a saint! 所以他視馬勒為他的音樂偶像，還幫他畫過肖像畫，甚至1911年馬勒過世，難過不已的荀白克，也畫了一幅馬勒葬禮的畫, 還將他最重要的和聲學著作 "Harmonielehre" 獻給馬勒！

左上是馬勒的葬禮，右下是荀白克獻給馬勒他的和聲著作，左下是他畫的馬勒！

1906年，荀白克請了一位小他九歲的畫家：Richard Gerstl 來教他跟他的老婆畫畫，慢慢的, Richard Gerstl 跟這個家庭的關係越來越密切越來越密切越來越密切（漸強！）密切到竟然跟荀白克的老婆Mathilde 產生了婚外情！(我的老天爺啊, 這讓荀白克情何以堪，好友與老婆.........) 總之，這個不倫戀的下場，畫家老師自殺了,Mathilde 重回荀白克的身旁，直至1923年癌症過世為止。

畫家老師Richard Gerstl 畫的荀白克跟老婆、家人。

為什麼這麼八卦說人家的家務事，因為啊，這個發生在1908年的事件，絕對大大影響了荀白克音樂風格的轉變！在他老婆離開他的日子，他寫了他人生第一首無調音樂：13首聯篇歌曲Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15，





在同年，也完成了第二號弦樂四重奏！

  



這個家庭跟友誼的挫傷，絕對讓荀白克面臨人生中的很大的挑戰，也反映在他的寫作上：從後浪漫過渡到非調音樂！

荀白克的繪畫主題，經常圍繞在「凝視」，繪畫多半是肖像畫，他畫馬勒，貝爾格，老婆⋯更愛畫自己！他的畫絕對不是美麗迷人那型的，而是在記錄他很主觀對事物人物的印象，很深刻。

約翰·凱吉John Cage: 4分33秒，到底要幹啥？

4分33秒，到底要幹啥？

1952年，美國作曲家約翰·凱吉John Cage (1912-1992) 寫了一個三個樂章的作品，配器沒有限制，可以是樂團，也可以是獨奏樂器，沒有任何一顆音符，只想讓你在4分33秒內，感受 silence....沒有聲音的美好！

再追朔到法國藝術大師 馬叟·杜象 (Marcel Duchamp 1887-1968) 於1917年，把現成物小便斗重新命名，讓它變成有價值的藝術品！( 杜象解放了“小便斗” 原來的功能，賦予它新的觀點，命名為 “噴泉” 的那一刻開始，他聰明的引爆了藝術圈的海波浪！）任何不具美感的現成物，只要藝術家發展出完整的一套"概念"，都能將之轉換成有價值的藝術品！

你可能不知道，杜象早在1913-15年間，曾做過聲音的實驗 ，他作曲呢！但不是寫音符，是用"觀念"作曲：“Sculpture Musicale”，他認為音樂不只是時間的藝術，更是空間的藝術！所以他讓不同的聲音來自不同的媒材跟地點，持續發出聲響(sonority)而創造了一個聲音的雕塑品！

          

這樣的觀念想法，影響了無數的藝術風潮，當然包括了20世紀音樂！古典音樂在20世紀初期，經歷了非調、12音列、新古典..等不同形式的表現，來到了二次戰後，電子音樂、機遇音樂、序列音樂、極限音樂，各種新形式的現代風格百花齊放，存在了幾百年的音樂三元素：旋律、和聲、節奏，早已被推翻的蕩然無存。而在音樂圈投下 "概念震撼彈"的，非約翰·凱吉莫屬！

凱吉深受杜象觀念藝術的影響！而顛覆的 4′33″ 出現，果然重新定義了音樂的結構跟可能性，『到底什麼是音樂？』音樂有絕對的自由，只要是聲音，都可以說是音樂，而噪音和無聲，絕對都是一種有意義的聲音。

4′33″ 想要帶給我們的，不僅僅是四分三十三秒的寧靜（要享受完全無聲的空間，真的非常困難）另一種層面上，何不感受當下環境回饋給我們的聲音: 而所有的聲音，都是不確定性（偶發的）: 可能是冷氣聲，可能是咳嗽聲... 這些聲音，都可被當成大概念下的音樂。

約翰·凱吉對 "聆聽" 提出新的要求，身為聽眾的我們，也學習著新的聆聽方式，新的聲音刺激。寫了那麼長的文章，不是逼你喜歡現代音樂喔，因為要我喝下午茶時聽凱吉的音樂我也會受不鳥啦！純粹是希望大家對現代藝術不用感到卻步，可以試著理解，讓當代藝術豐富我們的視覺跟聽覺喔！

這是凱吉寫給杜象的音樂：“Music for Marcel Duchamp”

          


而下方演奏4'33"的 David Tudor 就是當年首演此作的鋼琴家。     
          
         

李給替 Ligeti : 100個節拍器的交響詩 Poème Symphonique For 100 Metronomes

Marcel Duchamp 的觀念藝術 深深影響了John Cage 的作曲思維，而當代作曲家也延續 Cage 對音樂的自由思維: 音樂必須從主觀意識中解放，在偶發、機遇下產生，並主張任何聲音都是一種大概念下的音樂。 於是匈牙利作曲家 李格悌Gyogry Ligeti 1962年寫給『100個節拍器的交響詩』，就顯得相當合理而且有意義，這作品"概念"精美到根本可以放入美術館當藝術品！

60年代，Fluxus運動的領導人 喬治.馬修那斯(George Maciunas) 邀請 Ligeti 加入這個泛藝術運動團體。阿蝦米是Fluxus運動? 中文是「福魯克薩斯」或是「激流派」，Fluxus運動 廣結一群各種領域的藝術家， 以反藝術、反美學、反傳統的精神進行藝術創作!

1962年George Maciunas 辦了一場參雜了 視覺藝術 與音樂、劇場、舞蹈、電影、美術館的展覽，他稱之為：“ festival of very new music” (非常新的音樂節）邀請了 前衛音樂家：John Cage, Ligeti, Penderecki, Terry Riley 跟其他領域的先進觀念藝術家一起合作。讓靜態的藝術展覽也可以是動態表演！（表演內容最離經叛道的是 當場肢解一台鋼琴，並把鋼琴碎片拍賣給台下群眾，模糊了日常生活跟高尚藝術之間的界線）總之，Fluxus運動開啟了以不同媒材元素融合的前衛藝術表現。而 李格悌 『100個節拍器的交響詩』就是與這個運動合作下的產物。

『100個節拍器的交響詩』演出時，需要十個"演奏者"，一個人負責十台節拍器，當指揮下令時，十個人同時解開不同速度的十台節拍器，音樂的織度，瞬間從十個節奏線條增加到一百個，張力跟聲響力度都達到最高！100個獨立進行的節拍器卻又是一個大的單聲部聲響。 接著，發條節拍器會在不同時間點，以最自然又不被預期的速度慢慢停止，進入silence而結束整首作品....


可以快轉1:40，才開始！

          


另一個版本，是機器直接啟動100台節拍器！

         

如果你有耐心聽完 creat 到 release 的"過程"，才有辦法從100個聲音堆疊中感受到最後寧靜的美，在這個空氣污染很嚴重的台中春天，跟大家分享 李格悌，希望現代藝術的實驗熱情帶給大家一咪咪的溫暖！

李給替Gyorgy Ligeti :”匈牙利搖滾“Hungarian Rock

現代音樂界首屈一指的大師： 李給替Gyorgy Ligeti (1923-2006)

Ligeti 出生於 今屬羅馬尼亞的地那維亞，22歲進入 布達佩斯音樂學院學習，是當代非常重要的音樂大師 ，而「李給替風格」在現代樂壇更是大家學習景仰的對象。

他於1960年完成的管弦樂曲《幽靈》Apparitions 和1961年的《大氣層》Atmospheres 奠定他為歐洲重要先鋒派作曲家的地位。在這兩首作品中，他不以傳統的旋律、和聲與節奏作為作品的主要表現手段，而是以垂直聲響設計、音色、與織體創造，做為創作的重點。1965年的「安魂曲」(Requiem），更堅固地確定了他的「色澤音響」（Farbemelody）和「微分複音音樂」(Micropolyphony）的超然地位!
( 鄉親啊～不懂這些名詞沒關係啦！ 它們只是20th音樂織度或語法的專有語彙啦！）

”匈牙利搖滾“Hungarian Rock，副標題Chaconne，是李給替 為大鍵琴琴創作的一部作品（1978年）左手是2/8+2/8+3/8+2/8的搖滾風格舞曲複合節奏，右手則為9/8拍的流暢旋律, 兩手合在一起真的非常的難演奏！大鍵琴的金屬音色， 讓我與搖滾樂中的電貝斯有了美好的聯想！ 整首音樂像是瘋狂即興一般， 急促但又帶有funk味， 非常爽快的當代音樂極品！！！

解析 德布西Debussy : 黑娃娃的步態舞 "Golliwog’s Cakewalk"

德布西應該是古典音樂圈裡, 第一位使用爵士元素的音樂家, 在他去世的前一年～1917, 正是官方說法裡, 爵士樂開始出現的年代, 而德布西早在1906年寫給女兒Emma 的"Golliwog’s Cakewalk" (黑娃娃的步態舞, 在鋼琴作品六首兒童天地)中, 早已出現了ragtime的使用呢！

19世紀末華格納風潮席捲歐洲, 而身為法國人的德布西雖然深深著迷華格納的音樂, 但他深知必須走出屬於自己新的一條道路！

除了在1889年的萬國博覽會是聽到來自印尼爪哇的甘美朗音樂外, 德布西在1900年巴黎萬國博覽會, 還聽到了美國音樂家蘇沙軍樂隊演奏的ragtime！

什麼是ragtime呢？中文翻成散拍音樂, 19世紀末由Ernest Hogan發展出來的鋼琴音樂形式, 他融合了充滿複雜切分節奏的黑人舞蹈音樂(出現在鋼琴的右手旋律)與蘇沙的進行曲音樂(出現在鋼琴的左手伴奏, 碰～洽～碰～恰～）

先聽一首經典散拍音樂  Scott Joplin: The Entertainer

這個可愛的作品～黑娃娃的步態舞, 
為什麼叫"Golliwog’s Cakewalk" ? 
Golliwog是美國作家F. K. Upton創的一個黑娃娃角色, 也因為這個黑娃娃角色, 給了他靈感寫了一系列的童書！ 

美國作家F. K. Upton 創的Golliwog黑娃娃！

Cakewalk 是一種舞蹈比賽, 黑人奴隸模仿他們白人老闆穿燕尾服，蓬蓬裙的跳舞比賽, 贏的人可以得到蛋糕一塊喔！(cakewalk的伴奏音樂通常是ragtime喔！）








而這首黑娃娃的步態舞最妙的,則是德布西在曲子中段, 像華格納有名的Tristan and Isolde前奏曲借了主題, 一共四次(1:10的地方）所以他是像華格納致敬？還是非常反諷地將Tristan and Isolde那個渴望愛的主題處理的詼諧俏皮咧？





大家可以看到圖片中, 是黑娃娃的步態舞的片段, 藍色的標示, 就是ragtime的音樂特色(右手切分節奏與左手像軍樂的澎恰伴奏）, 紅色的地方就是華格納Tristan and Isolde前奏曲的借用！

喜歡～❤️

包浩斯Bauhaus與 亨德密特的劇場音樂

包浩斯。到底蝦米是包浩斯？

「Bauhaus」是由德文 Bau “建築” 和 Haus“房屋”組成的字，簡單的說：Bauhaus的字面意思就是蓋房子！但是包浩斯很厲害，不只是蓋房子，還在工業、室內、平面設計以及現代舞蹈、戲劇、美術等思維上立下典範，並對20,21世紀我們的日常，帶來新的思潮與影響。如果沒有包浩斯的出現，這個世界可能長得跟現在不一樣，沒那麼好看！Bauhaus可以說是現代主義建築與前衛潮流設計的代名詞。

包浩斯(Bauhaus) 原來是一所德國的藝術建築學校，於1919年由建築師沃爾特．葛羅佩烏斯(Walter Gropius)在威瑪(Weimar)創立。說起創校人～葛羅佩烏斯，他可是大名鼎鼎作曲家馬勒Mahler的多情老婆～艾馬Alma~的第二任老公！包浩斯學校經歷了: 威瑪、德紹及柏林三個時期，直至1933年因納粹政權的壓迫不得已宣佈關閉。雖然學校只成立短短的14年，但包浩斯對現代藝術實在有著無遠弗屆的深遠影響！

今天來聊包浩斯比較少人認識的劇場。包浩斯劇場誕生於1921年至1929年間，由 校長葛羅佩烏斯 欽點 奧斯卡．史萊莫(Oskar Schlemmer) 主持，果然很有眼光的讓史萊莫創造了包浩斯劇場的黃金年代。他於1922年所創作的《三位元芭蕾》(Triadische Ballett)， 已成為包浩斯劇場經典，音樂部分 是由德國作曲家亨德密特(Paul Hindemith)創作，用的是新古典主義風格，音樂非常精簡很有空間感。

這個芭雷舞劇不好懂，有點像....劇場版的抽象繪畫！

芭蕾舞劇的想法源自於 “三位一體” 的概念: 三幕三個舞者12段舞蹈18件舞衣。由 黃、粉、黑 構成的三幕舞台背景，三種顏色象徵不同的心理情緒。 三位舞者穿著由混凝紙漿做成的硬梆梆舞衣跳舞， 而舞衣是由圓形、螺旋形、錐形等多角幾何造型構成，體積龐大，舞者的四肢都被阻隔，所以只能做簡單的動作，像極了魁儡木偶也製造了強烈的機械感，但卻又顯得浩呆相當滑稽！

其實史萊莫想讓劇場從歷史的包袱下解放，讓人的身體作為一種藝術媒介（人體是由抽象幾何型態構成，例如脖子是圓柱體，頭是圓形，腿是三角錐形....）並且只對純粹顏色與幾何造型還有空間做探索。

在2019年的現在，回頭來看這個將近一百年前的劇場作品，仍然感覺前衛現代，讓人驚艷不已！

若你們有興趣看，這是完整版喔！

伯恩斯坦:Glitter and be Gay

美國大指揮家～伯恩斯坦 (Leonard Bernstein，1918~1990）其實是一個很優秀的作曲家，他寫了很多嚴肅音樂：三首交響曲、聖詠、室內樂 .....  等，但樂評家不太買帳，反而他結合爵士元素，比較通俗的歌舞劇音樂大受好評！

今天來分享一首超有意思的作品： 曲名叫 Glitter and be Gay（紙醉金迷）選自於他1956年的輕歌劇 Candide（憨第德）

Candide 是伏爾泰於1759年完成的悲觀諷刺小說，男主角憨第德是個老實的年輕人，住在公爵家跟公爵的子女一起接受家庭老師的教導。城堡裡的老師教導他們「凡事都要樂觀，萬物的存在都會達到最好的結果」，因此天真的憨第德超篤信老師說的話，他就愛上公爵的女兒克妮岡蒂（Cunégonde），沒想到事情可不樂觀，公爵很生氣就把他趕出去！

憨第德因此展開了他坎坷又艱辛的旅程，在旅遊中遭遇了一連串不幸的事情，打破世界一切是美好、公平的假象。

講了那麼多，Glitter and be Gay 這首曲子到底啥時候出現啊？反正後來公爵家破產，克妮岡蒂逃亡過程中迷失了自己，在沉浸於物慾時所演唱；音樂聽起來很虛華活潑，事實上，戴著隱形的失意與自我解嘲！而這首Glitter and be Gay 是歌劇中最精彩的一段，也是花腔女高音最喜歡挑戰的曲目之一喔！

總之，伏爾泰在這部表象很多采多姿的故事中指出: 盲目的樂觀只是一個謊言，人需要靠著理性跟自我努力，才能夠擁有最好的結果喔！

再來首 水藍指揮新加玻交響樂團 ，伯恩斯坦作品：憨第德序曲

極限主義: Lucinda Childs 的經典舞作～Dance/ Philip Glass/ Sol LeWitt

這支短片是2018年5月，我幫歌劇院推薦今年TIFA藝術節最後一檔的重頭戲節目~後現代舞蹈大師Lucinda Childs 的經典舞作：Dance。 

這支1979年的作品 根本就是極限主義的最極致代表，因為這齣當代舞作，是結合了三位藝術大師在音樂、舞蹈、視覺藝術的跨領域合作！

音樂的部分由極限主義大師菲力普.葛拉斯Philip Glass擔任創作，Lucinda Childs在舞蹈編排上完全與葛拉斯音樂中重複的元素契合，可以看到舞者 ”重複” 地旋轉、跳躍、轉身，旋轉、跳躍、轉身，旋轉、跳躍、轉身….. 跟音樂一樣，舞蹈動作變化在無形之中，讓你不自覺掉入舞蹈與音樂最純粹的本質狀態中！

不僅如此喔，Lucinda 還請來極限主義視覺大師~ 索勒維特Sol LeWitt 負責舞台設計！Sol LeWitt 的視覺作品，常以幾何、重複性線條，以及黑白、紅黃藍三原色為主視覺畫面，

極限主義是60年代 源自於美國的藝術運動，反對具濃厚情感的個人藝術，追求單純的幾何圖形，喚起藝術自身的美感。
Sol LeWitt 作品 重複性線條，幾何元素！

Sol LeWitt 作品，非常理性，即便畫面顏色繽紛，所有顏色的排列都有一定的秩序

Lucinda 根據Sol LeWitt 繪畫中的線條特徵來編舞，所以我們在第一段舞蹈，可以看到舞者只有 『左右』橫線條的方向！第二段獨舞，則開始出現『前後』與圓弧形的線條方向，直到第三段最終曲，舞者出現『對角線』，與更自由的幾何走位 。 

Sol LeWitt 非常巧妙的把整齣舞蹈，用不同視角預先錄製，在演出時投影到舞台上，所以我們可以看到虛與實的舞者 ～ 影片上的舞者跟真實舞台上的舞者，兩個平行小宇宙的錯置重疊！

Dance 是將近四十年前的作品，卻早就提供了大家很不一樣的觀舞經驗 (多媒體與真人互動)，在2018的現在看來，仍然前衛、充滿創意，在視覺、聽覺上都令人驚艷！

當我知道這齣我在藝評文章以及現代舞蹈專書中必定被談論的經典舞作要來台中時，覺得興奮無比 ~實在是值得大家衝一發的好作品啊！

             

寫在 2016~ 台中歌劇院開幕劇場大秀:"進擊的狂想"《Delusion of the Fury》

2016/9/21

記得在美國讀書時, 因為主修作曲的關係, 對於各種Modern Music (當代音樂) 總是充滿興趣！當代音樂的聲音被作曲家們賦予了前所未有的新面貌，不同於傳統古典音樂的聲響, 當代音樂的確比較難理解, 因為它跟著社會歷史文化的演變影響有極大的關係, 它想要傳達的訊息也比以前更多更抽象了, 回到台中音樂班教書這20年，能接觸的當代音樂會真是少的可憐，因為這樣的音樂藝術真的是超小眾 (連音樂系的學生也鮮少接觸呢！)

可是當代音樂在21世紀的現在, 被運用的越來越廣: 電影配樂, 現代舞蹈, 現代劇場......我們都可以聽到, 因為當代音樂能傳達的色彩空間與戲劇張力非常強烈而且直接！

台中歌劇院開幕劇場大秀:"進擊的狂想"《Delusion of the Fury》是20世紀作曲家Harry Partch (1901-1974) 於1969年的作品！Harry Partch 在當代音樂留名的則是他的微分音理論, 他把一個八度分成43個微分音(有43個音階可能性 ), 因為沒有樂器能演奏, 於是他開始發明創作他的新樂器(好似巨大的怪獸）還有屬於他自己一套符號的繁雜記譜系統！

而Harry Partch 的大怪獸樂器, 則將搬運來台中歌劇院囉, 出現在"進擊的狂想"這部劇中！
這部大型劇場作品有兩幕：

Act 1: 受日本能劇劇目：《平家物語·敦盛最期》影響, 敘述一個刀下武士亡魂, 從不能諒解兇手到釋懷接受死亡的一個歷程！

Act 2:來自非洲衣索比亞傳說, 一個尋找走失兒子的婦人與一個聾啞年輕人發生的誤會與趣事....

Harry Partch把一個嚴肅的悲劇跟一個充滿詼諧的喜劇放在一起, 好似是他人生的告解：因為他的作品一直被放逐在主流市場之外, 人們稱他是outsider! 他也遇過許多不公與拒絕, 但他最後必須面對他自己, 接受他自己！難怪有人說: "進擊的狂想“《Delusion of the Fury》這部作品, 是Harry Partch 與這個世界的和解！

"進擊的狂想”由歐陸音樂劇場鬼才~郭貝爾導演, 加入當代語彙重新打造現代版本， 聲音轉化為聽覺與視覺的雙重畫面，劇場作品風格強烈且自成一格。舞台佈滿前衛器樂裝置，穿著奇裝異服的演出者穿梭於無特定時空的迷幻異境，震撼樂聲與呢喃人聲交錯對話，這樣特別的音樂劇場，即將首次呈現於亞洲觀眾眼前, 而且是在台中國家歌劇院呢！

非常鼓勵從來沒有嘗試過現代音樂表演的朋友, 因為藉著視覺, 聽覺的引導, 你一定會經驗從未沒有的感官饗宴! 

  

Arvo Pärt 的音樂空間

青春學生時代，因為主修作曲的關係，我非常大量聆聽現代音樂，所以當我的同學沈迷在巴哈或布拉姆斯時，我就已經高度聽著衝撞.不諧和的20世紀聲音。

我特別喜歡節奏感強烈，又兇猛又變態的那種，不然就是要聲響充滿色彩，織度豐富，天馬行空的那種，唯獨安安靜靜，走心靈純粹路線的，還真不是我的菜....

可是我慢慢有了年紀以後，聽音樂的口味還真的變了，開始懂得欣賞簡單的東西。最近聽了以前很不愛的愛沙尼亞作曲家Arvo Pärt 的作品，覺得這樣靜心脫俗的音樂，好難得啊！

Arvo Pärt 有一個很具個人化的音樂風格，稱Tintinnabuli（像"鐘聲"的作曲法） ，簡單來說就是抽離複雜的調性非調體系，回到音樂的最基本：三和弦。

例如1976年的 "Für Alina"就是此風格的首例:

 

像鐘一般的低鳴聲啟動了音樂， 雙手都刻意安排在高音域，左手以b小調三和弦為主，右手遊走在像葛利果聖歌一樣簡單的旋律上，營造一種近乎修道院或寺院質感的聲響。

而這樣的作曲法，以1978年他最知名的作品：Spiegel im Spiegel"鏡中鏡" 最為成功！

"鏡中鏡" 這首作品曾經在2002年的電影:"天堂奔馳"，跟2013年："地心引力"，還有雲門的"竹夢"，幾米的"向左走向右走"都出現過。Tintinnabuli 技巧在"鏡中鏡"中，可以聽到嗡嗡低鳴的鐘聲在低音處不時響起，而音樂主體建構在~左手反覆再反覆的F大調三和弦(暗示鏡中鏡不斷的鏡面反射），而右手則是漫無目地的游走在F大調上下行音階上，可是你再仔細解構，就會發現Arvo Pärt 將旋律線條以A音為主，做對稱的反向投射，像鏡子的倒影一般，細膩極了！ (不知道是哪位好心人做了這個youtube影片，你邊聽邊看就一目瞭然了！）

Arvo Pärt 的音樂空間非常稀疏簡單，卻有一種無可言喻靜謐的美，它沒有什麼重量，單純溫柔地 帶領著聆聽者進入一個沒有任何約束的寧靜狀態.....真好。

晚安～

若下列音樂影片無法打開，麻煩連結至：
https://www.youtube.com/watch?v=3BwcYxV1dQU&feature=youtu.be